Blogger > Overblog

Visiblement, c'est pas possible de commenter ici. Donc zou, on déménage sur Overblog, avec le même nom de blog. Allez zou !!!! http://fragmentsdame.over-blog.com/

Omar m'a tuer **

En choisissant de transposer l'une des affaires judiciaires les plus marquantes de ces dernières décennies, Roschdy Zem nous livre un beau moment d'émotion, imparfait mais sincère et fort.

Le jeune réalisateur a su prendre le meilleur des deux histoires qu'il monte en parallèle pour en sortir un récit militant, mais également révélateur d'un triste constat. Aujourd'hui, les membres de la haute sont toujours mieux protégé, malgré la justice républicaine, et l'argent fait le bonheur des riches, ainsi que le malheur des pauvres.
Mais son film est également un appel à tous les misérables. Par le courage de son avocat, son combat personnel et l'acharnement de sa famille, Omar Raddad est aujourd'hui libre, et espère prochainement être réhabilité.

Oui, c'est bel et bien cette version qui est défendue par Roschdy Zem, mais malgré tout, il ne tombe pas dans le violent réquisitoire.
Son film est avant tout un film sur le combat d'un homme prêt à tout pour recouvrir son honneur et sa dignité.
A ce titre, Sami Bouajila est absolument bouleversant. Son regard seul est d'une telle intensité qu'il suffit sans parler plus que quelques mots de français à susciter une grande émotion. Il se met dans la peau d'Omar Raddad avec une aisance stupéfiante et se place déjà en candidat pour les prochains césars.

Malgré tout ce que l'histoire apporte au final en réflexion, c'est la partie concernant la contre enquête menée par Pierre Emmanuel Vaugrenard qui se révèle le point faible du film, et qui lui fait perdre en intérêt, en hachant la partie concernant le calvaire d'Ommar de passages franchements dispensables sur les énièmes tentatives de prouver que tout cela n'est pas possible. On sent que Roschdy Zem a voulu faire passer son message réquisitoire via cette enquête et c'en est parfois gênant.
Heureusement, il réussit in extremis à rétablir son intérêt, notamment lors d'une belle scène de rencontre. Il parvient à faire passer dans cette rencontre un message quelque peu paradoxal, lorsque le photographe demande à l'écrivain, pourtant fraichement nommé à l'académie française de s'écarter pour prendre en photo le sujet de son livre, Omar Raddad. Seul.
On s'étonne alors, et on se demande si son but était d'exclure un peu par jeu l'écrivain qui s'en était finalement servi comme simple sujet ou de dénoncer cette société qui exclut la classe intellectuelle pour se consacrer aux faits divers.

La mise en scène est sobre et soignée, et ne fait pas de fautes de gout. Roschdy Zem parvient à rendre crédible son montage malgré un essoufflement des deux parties de par leur entremêlement même. Au final, on sort donc du film avec l'impression d'avoir passé un bon moment, honnête et bien scénarisé, cachant bien son jeu, malgré une simplicité apparente.

Et comment ne pas retenir cette dernière scène, très forte, où on voit Omar verser des larmes dans sa salle de bain. L'aliénation qu'il a subi avec la prison se traduit par sa tristesse d'être devenu étranger aux yeux même de son propre fils.

Blue Valentine ***

Ryan Gosling et Michelle Williams sont extraordinaires.

Non content d'avoir fait le bon choix en tournant pour Winding Refn, ainsi que d'avoir fait le bon choix de smoking pour la montée des marches (il était plus sexy, original et élégant que toutes les personnalités ayant foulé le tapis rouge cette année. Seul Jude Law lui rendait en attirance), Ryan Gosling interprète à la perfection ce rôle de grand dadais, spontané et aimant, mais maladroit.

Michelle Williams, sorti du tournage de Shutter Island et de La dernière piste (que je vais voir demain :) ) lui rend la pareille avec sa touche de fraicheur, que va mettre à rude épreuve les tourments de la vie.

Plus que leurs prestations, c'est leur alchimie qui bouleverse. Ils ne jouent plus, ils sont, ils n'imitent pas, ils font, ils ne se connaissaient pas, mais ils s'aiment à la folie.

En montant en parallèle la rencontre et l'amour naissant des deux jeunes adultes, et la flamme vacillante de leur passion, Derek Cianfrance questionne dans la profondeur sur le pourquoi et le comment.

Jamais la réalisatrice ne nous donnera d'indice concrets sur cette tragédie qui aura emmené deux êtres à passer d'un bonheur si parfait à une séparation si brutale.

C'est cela qui fait de Blue Valentine un tel coup de cœur. Rien n'est dévoilé, mais tout est suggéré.

Car au long de la séance, on ne cesse de voir deux personnes qui savaient communiquer dans les silences, se comprendre simplement en se regardant, mais qui au fil des épreuves, ne savent plus comment se parler, se comprendre et s'entendre.

Poussé à bout par les épreuves de la vie, la flamme va s'éteindre pour ne laisser place qu'à un vide d'une profondeur infinie, comblé de souvenirs. Entre ces deux jeunes gens qui se mariaient plein d'espérance, et cet homme éploré qui demande à sa femme une seconde chance, et qui pleure pour un amour disparu et une fille déchirée, la vie n'a fait que son œuvre.
Entre les instants de grâce des débuts et les disputes de la fin, le sentiment amoureux aura disparu, faute d'avoir été alimenté.
Comme un symbole, c'est dans une maison de retraite, en visitant deux vieilles personnes perdues et seules que naitra leur amour. Le symbole est aussi poignant qu'on en connait déjà l'issue.

Derek Cianfrance trouve la distance idéale, quelque part entre réalisme et volonté de filmer quelque chose d'immatériel.
Si on peut lui reprocher d'avoir été un peu trop attentive à la noirceur de son récit, au point d'en perdre par instant la nostalgie pour un banal sentiment dépressif, elle aura su se rattraper in extremis grâce à cette séquence d'une mélancolie poignante où se confondent les images de deux êtres qui s'unissent dans l'espérance, et d'un homme qui s'éloigne. Seul.

Christophe au sujet de Harry Potter 7.1 *

Je n'avais pas parlé, il y a quelques mois, de mon avis au sujet d'un certain premier volet du dernier tome des aventures de ce cher Harry Potter.
Le deuxième et tout dernier (?) volet de la saga à peine sorti (sortira-t-il prochainement un Harry Potter : Voldemort au cinéma ?), je ne peux finalement me garder d'évoquer ce volet ma foi fort palpitant des aventures de notre petit sorcier, ne serait ce que comme piqure de rappel à l'aune d'aborder pour la dernière foi au cinéma la folle scolarité de Harry Potter.

Plutôt que de m'embarquer dans une longue et rébarbative critique sur un film dont je ne me souvient plus assez (mais que j'ai retenu plus que d'autres sortis à la même époque) pour en parler, j'ai choisi de laisser la parole à mes chers confrères.

Bien entendu, cette initiative est née dans un but non avouable. Mettre en guest star la critique d'un Christophe... Surprenant !

Le lien vers la critique de Christophe.

Ma foi, on peut s'incliner devant Christophe pour cette impressionnante démonstration de virilité.
Christophe parait gentil, prêt à distiller ses connaissances en matière de cinéma, mais quand il s'énerve, mieux vaut ne pas être la cible de ses invectives. Il devient aussi bavard et fourbe qu'une folle en chaleur entouré de folles en chaleur sur le bord de la piscine d'une croisière gay, mais en restant aussi profond et vrai dans ses propos que le Christophe qu'on connait. C'est dire s'il peut livrer des vérités terrifiantes.
Non content de massacrer le livre de JK Rowling, l'assimilant à de la littérature pour geek, il dénonce également les acteurs et producteurs qui nous prennent pour des débiles mentaux en tournant deux films au lieu d'un pour se faire du fric. Et ça se termine en beauté lorsqu'il prend soin de défoncer à coup de 4x4 le monument dressé à la fierté des geeks de tous poils et de tous horizons.
Christophe nous surprendra toujours, et dès septembre nous sera dévoilé son film inavouable. J'en tremble d'avance !

Balada triste ****

Je ne regarderais plus jamais les clowns de la même manière après ce Balada triste.

Très sérieusement, voir un clown triste ivre d'amour et de vengeance massacrer la tronche du clown joyeux, qui est en fait une brute odieuse, puis s'auto-massacrer le visage à coup d'acide et de fer à repasser, c'est une expérience assez édifiante.

Et encore, ce n'est qu'une petite partie des exactions qu'Alex de Iglesias fait subir à ses personnages au nom d'un jusqu’au boutisme malsain.

Dès la séquence d'ouverture, le ton est donné. D'un coté, les rires des enfants devant les facéties des clowns laissent penser qu'il s'agit d'une fable certes un peu malsaine, mais destiner à amuser.

Mais très vite, voilà notre clown joyeux plongé dans l'enfer de la guerre civile espagnole. Pris d'une folie meurtrière, il massacre le bataillon ennemi. 

Voilà ce que révèle ce très grand film, à travers un générique qui mêle image des plus grands dictateurs mondiaux, des vacances au soleil et autres joyeusetés. L'absurdité de la vie, de la mort, et surtout de la violence et de la haine.

A travers l'enjeu le plus universel qui puisse exister, la lutte pour l'amour d'une femme, Alex de Iglesias fait ressortir tout ce qu'il y a de plus brutal et primaire en nous.

On n'a plus affaire à des êtres moralisés, mais bien à des archétypes grossiers et barbares. Une femme comme possession béate, deux hommes qui luttent en détruisant tout sur leur passage.

Et le réalisateur génial se met à la hauteur de ses personnages.

Avec des ruptures de ton permanente, un mauvais gout persistant, un montage taillé au hachoir, qui ne laisse pas une seconde de répit, et un soin de chaque plan, on est embarqué dans cette aventure incroyablement puissante. L'ambiance est pesante, mais ludique en même temps. Le tour de force réussi par Alex de Iglesias est très fort.

On pourrait penser qu'une telle avalanche de mauvais gout permanent finirait par faire décrocher son spectateur, mais il n'en est rien. On est constamment surpris, et le rythme allant crescendo atteint son apothéose magnifique lors d'une séquence dantesque au sommet de l'immense croix franquiste.

A peine la belle morte, le pilote de moto suicidé que les deux clowns se retrouvent dans la camionnette, et jouant leur rôle dans la comédie humaine, rient et pleurent le malheur arrivé.

Beginners ***

Avec simplicité, personnalité, et une naïveté touchante, Mike Mills nous touche encore au cœur.

Il nous livre un film touchant, une belle histoire d'amour, de celles qui font reprendre gout à la vie.

Car c'est de ça qu'il est question dans Beginners, la perte progressive de l'espoir, de cette petite étincelle de vie, quand la routine détruit la magie.

 Dans une ambiance très nostalgique, presque morne, Mike Mills arrive à faire ressortir les moments où opère la magie de l'amour avec un peu de naïveté dans les dialogues mais une nostalgie mature en permanence, comme une vision du passé.

Le rythme lent pourra rebuter certains, mais devient une pesanteur nostalgique, qui saisit par la beauté de ses instants de grâce. Signe de cet beauté de la vie ordinaire, qui nous prend lorsqu'on y croit, qu'a su saisir Mike Mills.

C'est son Oliver, grand rêveur et artiste dépressif, qui incarne son personnage omniscient, qui ne sait lui même plus où il en est lorsqu'il rencontre Ana.
L'actrice mystérieuse laisse planer beaucoup de zones d'ombres, et c'est ce qui attire Oliver, et qui les poussera ensemble. Et c'est au moment de réaliser la routine du couple que ça ne marche plus.
A cet idéal de couple défaillant, Mike Mills oppose le milieu homosexuel de son père, vivant au jour le jour, plein de joie, d'amitiés, de rencontres, d'amour, qu'Oliver perçoit chez son père.

En mettant en relation ces deux relations, celle d'un amour fort entre un père et son fils, et celle d'un amour naissant entre deux amants, Mike Mills réussit un joli film qui aborde avec talent le thème du couple. Il le montre ici comme un chantier permanent, fragile, qui peut du jour au lendemain s'achever, se briser, et qu'il convient de construire en s'aidant de son passé. C'est grâce à son père, mort quelques mois plus tôt, qu'Oliver se relève et essaye d'aimer Anna avec l'amour que lui aurait porté son père.

Le film doit en grande partie sa réussite à ses acteurs. Ewan McGregor est bouleversant d'humanité, Mélanie Laurent prouve qu'elle peut (très) bien jouer, et Christopher Plummer complète ce trio dans un rôle aussi surprenant que touchant.
Une très belle réussite de cette année, et un bon jalon dans la carrière de l'ex clippeur Mike Mills.

Bilan du festival de printemps

S'il n'y avait qu'une chose à retenir du festival de printemps, laquelle serait-ce ?

Les restes brisés d'une enfance qui aura été le thème principal ou secondaire de 3 films en sélection ? La lacheté d'un père ? Ou au contraire l'abnégation de parents dans la défense de leur enfant ?

Peut être aussi la trahison ? Les coups dans le dos ?

Peut être aussi l'espoir ?

Peut être la mélancolie, la tristesse ou même la joie ?

Ce que je retiens, c'est que le cinéma a réuni une nouvelle fois 16 personnes autour d'histoires fortes, de récits qui bouleverseront peut être des vies, l'espace d'un instant.

Le festival de printemps a tenu toutes ses promesses. Loin de la théâtralité froide, bruyante et vaine du flocon d'or Black Swan, mes deux grands gagnants de ce festival sont deux films qui marqueront l'année, dont un chef d’œuvre qui marque l'apogée du talent d'un immense metteur en scène.

Peut être qu'il y a eu des déceptions, notamment le dernier Woody Allen, séduisant mais vide et creux, ou encore l'aseptisé Conquête et le faiblard et moyennement écrit Gamin au vélo, qui convainquait tout de même sur d'autres terrains.

Mais dans la vie, il ne faut pas retenir ce qu'on pourrait avoir, ou ce qu'on aurait pu avoir, mais ce qu'on a et ce qu'on a eu.

Le festival de printemps a tenu toutes ses promesses.